«Голубая комната» Пабло Пикассо
Одна из самых ранних картин так называемого голубого периода, «Голубая комната», была написана П.Пикассо в самом начале ХХ века. В результате рентгеновского исследования, проведенного американскими учеными в 2014 году, под изображением принимающей ванну Жермен, виновницы смерти близкого друга художника, было обнаружен мужской портрет. Бородатый мужчина в бабочке одет в пиджак, он опирается на руку.
Проведенный анализ подтвердил, что скрытый портрет был написан непосредственно перед «Синей комнатой». Скорее всего, художник быстро закрасил незаконченную картину, и принялся за новую – в 1901 году Пикассо не мог себе позволить покупать новые материалы каждый раз, когда ему приходила очередная идея.
Одна из самых ранних картин так называемого голубого периода, «Голубая комната», была написана П.Пикассо в самом начале ХХ века. В результате рентгеновского исследования, проведенного американскими учеными в 2014 году, под изображением принимающей ванну Жермен, виновницы смерти близкого друга художника, было обнаружен мужской портрет. Бородатый мужчина в бабочке одет в пиджак, он опирается на руку.
Проведенный анализ подтвердил, что скрытый портрет был написан непосредственно перед «Синей комнатой». Скорее всего, художник быстро закрасил незаконченную картину, и принялся за новую – в 1901 году Пикассо не мог себе позволить покупать новые материалы каждый раз, когда ему приходила очередная идея.
«Мадам Икс» Джона Сингера Сарджента
Виржини Готро – красавица, дама полусвета, модель великих художников. После того, как её портрет был показан на выставке в Парижском Салоне (1884), ей пришлось на какое-то время расстаться со светской жизнью – реакция публики на картину обернулась разочарованием не только для художника, но и для самой модели.
Сопоставив две фотографии, можно заметить, что живописец переписал одну из лямок на платье, спавшую с плеча, таким образом, добившись большей симметричности и избавившись от ощущения непристойности и откровенности, испытанного посетителями Салона.
Виржини Готро – красавица, дама полусвета, модель великих художников. После того, как её портрет был показан на выставке в Парижском Салоне (1884), ей пришлось на какое-то время расстаться со светской жизнью – реакция публики на картину обернулась разочарованием не только для художника, но и для самой модели.
Сопоставив две фотографии, можно заметить, что живописец переписал одну из лямок на платье, спавшую с плеча, таким образом, добившись большей симметричности и избавившись от ощущения непристойности и откровенности, испытанного посетителями Салона.
«Лоскуты травы» Ван Гога
Не только Пикассо не хватало денег на новые холсты, но и постимпрессионисту Винстенту Ван Гогу. Одними из первых «Лоскуты травы» были подвергнуты анализу с помощью рентгеновского метода, впервые разработанного голландскими учеными Йорисом Диком и Коеном Янссенсом, который позволяет точно определить исходные пигменты скрытой картины.
Познакомившись с полотнами импрессионистов в Париже, живописец сделал для себя вывод – его палитра слишком темная. Поддавшись их влиянию, художник начал эксперименты над техникой и цветом. Он увеличил масштаб каждой отдельной травинки и цветка, изобразил их с тщательной подробностью и изяществом в яркой палитре.
Изображение сочной травы предшествовал женский портрет различное с ним по колориту, написанный двумя годами раннее в Нюэнене. Личность портретируемой устанавливается специалистами из Бельгии и Нидерландов. Считается, что около 1/3 всех ранних работ нидерландца скрывают под собой другие изображения.
Не только Пикассо не хватало денег на новые холсты, но и постимпрессионисту Винстенту Ван Гогу. Одними из первых «Лоскуты травы» были подвергнуты анализу с помощью рентгеновского метода, впервые разработанного голландскими учеными Йорисом Диком и Коеном Янссенсом, который позволяет точно определить исходные пигменты скрытой картины.
Познакомившись с полотнами импрессионистов в Париже, живописец сделал для себя вывод – его палитра слишком темная. Поддавшись их влиянию, художник начал эксперименты над техникой и цветом. Он увеличил масштаб каждой отдельной травинки и цветка, изобразил их с тщательной подробностью и изяществом в яркой палитре.
Изображение сочной травы предшествовал женский портрет различное с ним по колориту, написанный двумя годами раннее в Нюэнене. Личность портретируемой устанавливается специалистами из Бельгии и Нидерландов. Считается, что около 1/3 всех ранних работ нидерландца скрывают под собой другие изображения.
«Портрет дона Рамона Сатуэ» Франсиско Гойи
Под культовым портретом кисти Гойи исследователями Йорисом Диком и Кеном Янссенсбылом был обнаружен гораздо более официальный портрет высокопоставленного французского чиновника с медалями на груди.
Первое изображение было написано в 1810 году во время войны на полуострове. Основываясь на специфических элементах униформы, эксперты выдвигают мнение о том, что художник изобразил Жозефа Бонапарта, посаженного на испанский трон после завоевания Наполеоном страны в 1808 году. Художник решил закрасить портрет изгнанного из Испании зимой 1813 года старшего брата Наполеона I и написать на его месте портрет своего друга, мадридского судью Рамона Сатуэ в знак благодарности: во время репрессий его семья прятала у себя художника.
Под культовым портретом кисти Гойи исследователями Йорисом Диком и Кеном Янссенсбылом был обнаружен гораздо более официальный портрет высокопоставленного французского чиновника с медалями на груди.
Первое изображение было написано в 1810 году во время войны на полуострове. Основываясь на специфических элементах униформы, эксперты выдвигают мнение о том, что художник изобразил Жозефа Бонапарта, посаженного на испанский трон после завоевания Наполеоном страны в 1808 году. Художник решил закрасить портрет изгнанного из Испании зимой 1813 года старшего брата Наполеона I и написать на его месте портрет своего друга, мадридского судью Рамона Сатуэ в знак благодарности: во время репрессий его семья прятала у себя художника.
«Портрет Изабеллы Медичи» кисти неизвестного автора
Художественный музей Карнеги в Питтсбурге скептически отнесся к подлинности картины, на которой изображена итальянская аристократка XVI века и отправил ее исследователям, чтобы подтвердить, что картина - подделка, скорее всего, написанная в XIX веке. Однако тщательный осмотр трещин на поверхности привел консерваторов к необходимости сделать рентгеновский снимок произведения, в ходе которого вскрылась истина.
Под портретом миловидной розовощекой девушки было обнаружено лицо пожилой женщины с мощным лбом, стальным взглядом, выщипанными бровями с несоразмерной ей кистью руки, держащей алебастровую урну, в нижней части полотна. Консерваторы предположили, что работы эпохи Возрождения была «украшена» в Британии, с целью облегчить её продажу.
Художественный музей Карнеги в Питтсбурге скептически отнесся к подлинности картины, на которой изображена итальянская аристократка XVI века и отправил ее исследователям, чтобы подтвердить, что картина - подделка, скорее всего, написанная в XIX веке. Однако тщательный осмотр трещин на поверхности привел консерваторов к необходимости сделать рентгеновский снимок произведения, в ходе которого вскрылась истина.
Под портретом миловидной розовощекой девушки было обнаружено лицо пожилой женщины с мощным лбом, стальным взглядом, выщипанными бровями с несоразмерной ей кистью руки, держащей алебастровую урну, в нижней части полотна. Консерваторы предположили, что работы эпохи Возрождения была «украшена» в Британии, с целью облегчить её продажу.
Андеграунд. Подпольное искусство
1960-е годы стали революционными в мире культуры и искусства. Начавшись со знаменитых «битников», движение, отрицающее мейнстрим и поп-культуру, пробудилось к жизни и в Европе. Художники, писатели, философы, протестующие против социальных устоев цивилизованного послевоенного мира, попадали на периферию культурной жизни, образуя сообщества, которые жили и творили по своим правилам. Так появился андеграунд (от английского слова underground — «подпольный») — течение, в которое вошли мастера, создающие независимые, запрещенные и неформальные виды произведений современного искусства.
На первый план вышло чувственно-эмоциональное переживание зрителя. И немудрено: в андеграунде смешались секс и наркотики, джаз и психоделика, восточные духовные практики и экзистенциализм. Эта пряная, бурлящая смесь смыслов породила стремление художников к неформальному творчеству, спонтанности и вытолкнула их на периферию культурной жизни.
Термин «андеграунд» придумал американский художник, кинокритик и писатель Эмануэль «Мэнни» Фарбер (1917 — 2008). Впервые это определение было использовано Фарбером в критическом материале, посвященном кинолентам, которые затрагивали проблемы сексуальных меньшинств. Определение прижилось и получило более расширенный смысл, включив в себя различные проявления культурных тенденций, идущих вразрез с традиционными ценностями.
Андеграунд был наполнен философией экзистенциализма, один из главных постулатов которого — единоличная ответственность человека за смысл собственной жизни, которую надо прожить искренне, страстно и достоверно. Благодаря Жан-Полю Сартру экзистенциализм стал очень популярным после Второй мировой войны и оказал влияние на искусство, литературу, психологию, театр. Новое поколение до дыр зачитывало «В дороге» Джека Керуака, «Обед нагишом» Уильяма Берроуза и «Вопль» Аллена Гинзберга. На экраны выходили киноленты Ингмара Бергмана, Франсуа Трюффо, Жан-Люка Годара, Микеланджело Антониони, Акира Куросавы. Отрицая ярлыки, стереотипы, роли в обществе, андеграунд обратился к истинной сущности человека, который через свое собственное сознание создает свои собственные ценности и смыслы.
Для художников нового типа на первый план вышли личные переживания, которые они пытались выплеснуть на полотно, воплотить в объемных формах скульптуры, заставить героев комиксов говорить от их имени, решая глубокие личностные задачи. Среди американских сторонников культуры андеграунда были весьма популярны такие журналы, как Oz, International Times, East Village Otherand, The San Francisco Oracle. Нью-йоркский район Гринвич-Виллидж стал Меккой для прогрессивных писателей, философов, литераторов, музыкантов, художников. В знаменитых кафешках этого богемного района можно было встретить Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, а позже — Роберта Крамба, Джейн Диксон, Роберта Мэпплторпа, Дэвида Войнаровича. В мастерской Энди Уорхола постоянно тусовались музыканты, дизайнеры, художники, такие как Кит Харинг и Жан-Мишель Баския.
1960-е годы стали революционными в мире культуры и искусства. Начавшись со знаменитых «битников», движение, отрицающее мейнстрим и поп-культуру, пробудилось к жизни и в Европе. Художники, писатели, философы, протестующие против социальных устоев цивилизованного послевоенного мира, попадали на периферию культурной жизни, образуя сообщества, которые жили и творили по своим правилам. Так появился андеграунд (от английского слова underground — «подпольный») — течение, в которое вошли мастера, создающие независимые, запрещенные и неформальные виды произведений современного искусства.
На первый план вышло чувственно-эмоциональное переживание зрителя. И немудрено: в андеграунде смешались секс и наркотики, джаз и психоделика, восточные духовные практики и экзистенциализм. Эта пряная, бурлящая смесь смыслов породила стремление художников к неформальному творчеству, спонтанности и вытолкнула их на периферию культурной жизни.
Термин «андеграунд» придумал американский художник, кинокритик и писатель Эмануэль «Мэнни» Фарбер (1917 — 2008). Впервые это определение было использовано Фарбером в критическом материале, посвященном кинолентам, которые затрагивали проблемы сексуальных меньшинств. Определение прижилось и получило более расширенный смысл, включив в себя различные проявления культурных тенденций, идущих вразрез с традиционными ценностями.
Андеграунд был наполнен философией экзистенциализма, один из главных постулатов которого — единоличная ответственность человека за смысл собственной жизни, которую надо прожить искренне, страстно и достоверно. Благодаря Жан-Полю Сартру экзистенциализм стал очень популярным после Второй мировой войны и оказал влияние на искусство, литературу, психологию, театр. Новое поколение до дыр зачитывало «В дороге» Джека Керуака, «Обед нагишом» Уильяма Берроуза и «Вопль» Аллена Гинзберга. На экраны выходили киноленты Ингмара Бергмана, Франсуа Трюффо, Жан-Люка Годара, Микеланджело Антониони, Акира Куросавы. Отрицая ярлыки, стереотипы, роли в обществе, андеграунд обратился к истинной сущности человека, который через свое собственное сознание создает свои собственные ценности и смыслы.
Для художников нового типа на первый план вышли личные переживания, которые они пытались выплеснуть на полотно, воплотить в объемных формах скульптуры, заставить героев комиксов говорить от их имени, решая глубокие личностные задачи. Среди американских сторонников культуры андеграунда были весьма популярны такие журналы, как Oz, International Times, East Village Otherand, The San Francisco Oracle. Нью-йоркский район Гринвич-Виллидж стал Меккой для прогрессивных писателей, философов, литераторов, музыкантов, художников. В знаменитых кафешках этого богемного района можно было встретить Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, а позже — Роберта Крамба, Джейн Диксон, Роберта Мэпплторпа, Дэвида Войнаровича. В мастерской Энди Уорхола постоянно тусовались музыканты, дизайнеры, художники, такие как Кит Харинг и Жан-Мишель Баския.
Анахронизм
Впервые анахронизмы в живописи стали использовать мастера Возрождения и раннего классицизма; художники изображали исторических и мифических персонажей — например, богов и героев мифов — в современных одеждах и обстановке. Современное течение анахронизма — гиперманьеризм — возник в Италии в конце 1970-х, его отцом-идеологом стал Джорджо де Кирико.
Анахронизм
Термин «анахронизм» возник из слияния двух греческих слов: ana — «обратно, против» и hronos — «время», и обозначает отнесение события, персонажа, места действия к другому временному отрезку, отличному от текущего. Иначе говоря, анахронизм в живописи — творческий прием, когда действия или явления изображаемого исторического момента приписываются другому временному отрезку.
В качестве примера явного анахронизма приводят одежду служителей на картине «Чудо с сатиром (Выплата подати)». Мазаччо изобразил Христа и апостолов облаченными традиционные одежды, свойственные описываемому времени. А служащие одеты в одежду, которая современна самому Мазаччо — короткие камзолы и узкие обтягивающие брюки, почти колготы (впрочем, чтобы их разглядеть, возможно, стоит посетить капеллу Бранкаччи — очень уж неявным является их наличие на фото работы).
На этом полотне Франсиско Рибальта изобразил духовное единение святого Франциска и Иисуса Христа, применив прием анахронизма: временной отрезок, разделяющий жизни героев картины, составляет примерно 12 веков.
Современные анахронисты (гиперманьеристы) черпают идеи своих произведений в работах художников эпохи Возрождения, барокко и маньеризма, интерпретируя их на новый лад. В их работах отчетливо видны художественные цитаты и пародии на художников прошлых веков, вплетенные в постмодернистский контекст. Произведения гиперманьеристов характеризует критический анализ исторического художественного наследия с позиций
Концептуальные художественные цитаты, используемые гиперманьеристами, формируют легко узнаваемый художественный стиль художника — например, работы Александра Ройтбурда.
Яркие современные представители этого направления — Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.
Впервые анахронизмы в живописи стали использовать мастера Возрождения и раннего классицизма; художники изображали исторических и мифических персонажей — например, богов и героев мифов — в современных одеждах и обстановке. Современное течение анахронизма — гиперманьеризм — возник в Италии в конце 1970-х, его отцом-идеологом стал Джорджо де Кирико.
Анахронизм
Термин «анахронизм» возник из слияния двух греческих слов: ana — «обратно, против» и hronos — «время», и обозначает отнесение события, персонажа, места действия к другому временному отрезку, отличному от текущего. Иначе говоря, анахронизм в живописи — творческий прием, когда действия или явления изображаемого исторического момента приписываются другому временному отрезку.
В качестве примера явного анахронизма приводят одежду служителей на картине «Чудо с сатиром (Выплата подати)». Мазаччо изобразил Христа и апостолов облаченными традиционные одежды, свойственные описываемому времени. А служащие одеты в одежду, которая современна самому Мазаччо — короткие камзолы и узкие обтягивающие брюки, почти колготы (впрочем, чтобы их разглядеть, возможно, стоит посетить капеллу Бранкаччи — очень уж неявным является их наличие на фото работы).
На этом полотне Франсиско Рибальта изобразил духовное единение святого Франциска и Иисуса Христа, применив прием анахронизма: временной отрезок, разделяющий жизни героев картины, составляет примерно 12 веков.
Современные анахронисты (гиперманьеристы) черпают идеи своих произведений в работах художников эпохи Возрождения, барокко и маньеризма, интерпретируя их на новый лад. В их работах отчетливо видны художественные цитаты и пародии на художников прошлых веков, вплетенные в постмодернистский контекст. Произведения гиперманьеристов характеризует критический анализ исторического художественного наследия с позиций
Концептуальные художественные цитаты, используемые гиперманьеристами, формируют легко узнаваемый художественный стиль художника — например, работы Александра Ройтбурда.
Яркие современные представители этого направления — Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.
Forwarded from Поздравления и открытки | Pozzdrav
Праздник весенний Весны и Труда
Отметим мы так, как хотелось всегда!
Зацветших деревьев кружит аромат,
Даря настроение всем встречным подряд.
Работа сегодня пускай подождет,
А дождик, чуть брызнув, скорее пройдет.
В небес синеве разливаясь, лучи
От счастья, весны дарят людям ключи.
Кружат пусть вам голову шутки и смех,
Разных забав вам и шумных потех!
Удачи всем, пусть у всех будет успех!
@pozzdrav
#деньвесныитруда #1мая
Отметим мы так, как хотелось всегда!
Зацветших деревьев кружит аромат,
Даря настроение всем встречным подряд.
Работа сегодня пускай подождет,
А дождик, чуть брызнув, скорее пройдет.
В небес синеве разливаясь, лучи
От счастья, весны дарят людям ключи.
Кружат пусть вам голову шутки и смех,
Разных забав вам и шумных потех!
Удачи всем, пусть у всех будет успех!
@pozzdrav
#деньвесныитруда #1мая
Ар-деко. Искусство и технический прогресс
Ар-деко (от французского art déco — «декоративное искусство») — очередной виток развития стиля модерн, обусловленный стремительной промышленной революцией начала XX века. Для стиля ар-деко характерна обтекаемая геометрия эпохи технического прогресса, чистые и сильные линии, стилизованные мотивы, строгая эстетика новых материалов и механизации, пришедшая на смену замысловатым природным формам и драгоценным материалам ар нуво и модерна. Следуя за археологическими находками своего времени, этот сугубо декоративный стиль также вобрал в себя элементы изобразительного искусства классической античности, Египта и культуры ацтеков.
Читать статью
Ар-деко (от французского art déco — «декоративное искусство») — очередной виток развития стиля модерн, обусловленный стремительной промышленной революцией начала XX века. Для стиля ар-деко характерна обтекаемая геометрия эпохи технического прогресса, чистые и сильные линии, стилизованные мотивы, строгая эстетика новых материалов и механизации, пришедшая на смену замысловатым природным формам и драгоценным материалам ар нуво и модерна. Следуя за археологическими находками своего времени, этот сугубо декоративный стиль также вобрал в себя элементы изобразительного искусства классической античности, Египта и культуры ацтеков.
Читать статью
Hashtap
Ар-деко. Искусство и технический прогресс
Ар-деко (от французского art déco — «декоративное искусство») — очередной виток развития стиля модерн, обусловленный стремительной промышленной революцией начала XX века. Для стиля ар-деко характерна обтекаемая геометрия эпохи технического прогресса, чистые…
"Женщина с зонтиком - Мадам Моне и ее сын" Клода Моне
Эта картина также известна как "Прогулка». Она написана маслом на холсте в 1875 году. На картине в стиле импрессионизм изображены жена Моне Камилла Моне и их сын Жан Моне в момент прогулки ветреным летним днем. Эта картина, пожалуй, является одним из самых заметных и высоко почитаемых произведений Моне, и она получила высокую оценку, когда появилась на второй выставке импрессионистов в 1876 году.
Факт 1
Картина считается уникальным портретом, потому что Моне хотел передать ощущение непринужденной семейной прогулки, не превращая произведение при этом в формальный портрет, и это было настоящим творческим прорывом.
Факт 2
Художник создал её за несколько часов, изобразив всё так, как было на самом деле. Он смог передать в картине сильные порывы ветра, которое можно ощутить, смотря на развевающееся платье. Быстрыми хаотичными мазками он написал облака, которые представляют в картине движение. Картина не статична, что полностью соответствует идеалу возникшего нового течения.
На свете много еще произведений, которые скрывают загадки и быть может, вам тоже известны интересные факты о картинах, процессе их создания или вы знаете что-то новое в том, как их читать? Будет интересно почитать!
Эта картина также известна как "Прогулка». Она написана маслом на холсте в 1875 году. На картине в стиле импрессионизм изображены жена Моне Камилла Моне и их сын Жан Моне в момент прогулки ветреным летним днем. Эта картина, пожалуй, является одним из самых заметных и высоко почитаемых произведений Моне, и она получила высокую оценку, когда появилась на второй выставке импрессионистов в 1876 году.
Факт 1
Картина считается уникальным портретом, потому что Моне хотел передать ощущение непринужденной семейной прогулки, не превращая произведение при этом в формальный портрет, и это было настоящим творческим прорывом.
Факт 2
Художник создал её за несколько часов, изобразив всё так, как было на самом деле. Он смог передать в картине сильные порывы ветра, которое можно ощутить, смотря на развевающееся платье. Быстрыми хаотичными мазками он написал облака, которые представляют в картине движение. Картина не статична, что полностью соответствует идеалу возникшего нового течения.
На свете много еще произведений, которые скрывают загадки и быть может, вам тоже известны интересные факты о картинах, процессе их создания или вы знаете что-то новое в том, как их читать? Будет интересно почитать!